“舞台美术是一门独有的专业艺术，被喻为‘舞台上寂静的演员’。通过艺术化、专业化的展出，用寂静的演出说明了主题。

舞台美术对演出创作的重要性日益突显。”近日，“2019北京国际设计周台湖舞美国际论坛暨CISD第六届国际舞美大师论坛”在国家大剧院和国家大剧院台湖舞美艺术中心举行，当谈到舞台美术时，国家大剧院院长王宁这样回应。　　此次舞美论坛由北京国际设计周组委会、国家大剧院、中国舞台美术学会主办，以“演出设计的完整性与突破口”为主题，来自国内外的专家学者从理论上辨别传统舞台美术向当代演出设计展开进化的发展脉络，全方位探寻舞台艺术的整体设计理念，联合探究设计师的个性化特质与观众之间的关系。

　　从舞台美术到演出设计　　“时代的飞速发展，不仅转变着我们的生活方式，也政治宣传着我们对自身专业的传统理解。面临此次舞美论坛主题中的‘演出设计’这个新的身份，我们有适当追溯到一下它的前世今生：从绘景艺术、布景设计、舞台设计、舞台美术，到今天的演出设计，早已从一个专业职能发展为一个十分明确的艺术实践中形态，且创作现象非常丰富多元。”国家大剧院舞美总监高广健讲解说道，被誉为“舞台美术界的奥林匹克盛会”的布拉格国际舞美展从2011年开始用于演出设计这一称呼，这个词更为精确地将其定坐落于视觉艺术与表演艺术之间的一个学科种类，让我们了解到国际舞台美术的发展趋势和方向。

　　“从舞台美术到演出设计，服务的对象从文学改变为演出，从对景的设计改变为对空间的设计。”北京人民艺术剧院编剧李六乙自己也做到一些演出设计，他期望演出有所变化，而传统的舞台美术不适应环境演出的必须，“演出上没革命性的变化，戏剧就仍然是脱节的、领先的。

从这一点来看，演出设计也增进了戏剧的发展、戏剧的革命。”　　“从对景的设计变成对空间的设计，设计更为了解，和演员的关系也更为紧密，在设计过程当中演出设计师有时不会像编剧一样考虑到演员和景之间的动作关系，考虑到呈现出在舞台上的面貌是什么样？这某种程度是舞台设计的事情，还牵涉到对整个表演风格和表演视觉的做到。”中央戏剧学院教授刘杏林回应：“在做到演出设计时，不会遇上一些失望，有些编剧并不确实解读我们的工作内容，指出我们只是构建编剧心愿的‘装璜师’，不会实在用我们这样的设计师很困难。

期望更加多人理解演出设计这一概念的内涵和外延，车站在合作共商的立场上，以更佳地在一部作品中充分发挥演出设计师理应的效力。”　　记者了解到，此次舞美论坛举行的同时，“舞台上的世界”——舞美主题展出同期发售，展出了来自舞台设计、服装、灯光、多媒体设计、编剧等有所不同舞台艺术领域20余位艺术家的展览作品。其中包括舞美模型、服装、手稿、视频、多媒体综合装置等多种形式，展出舞台美术行业近期的创新与作品，共享近期科技与艺术极致融合的经验与成果，呈现出演出设计的美学南北。

　　走进剧场，让观众沦为演员　　“当今的中国日新月异，社会、经济、艺术等再次发生着深刻印象而普遍的变化，为我们的创作获取了无限的素材宝库。当我们专心于艺术风格与个性时，却有意无意地忽略了艺术的公共性与社会性，造成对艺术的公共性和社会现场注目的缺陷。”在高广健显然，艺术家应该具备现实关怀、注目民生，有勇于付出代价社会的勇气，“创作的突破口往往来自于生活，来自人间烟火的社会现场。

我们的作品不仅要有艺术价值，更加要具备人文关怀与社会担任”。　　不同于传统意义上人们印象中剧场内的舞台美术，演出设计为观众创作的这个“世界”可以是剧场作品、电影艺术、影像作品，不道德演出，艺文、装置等，这些被建构的“世界”可以再次发生在剧场，也可以再次发生在室内空间、户外公共空间，甚至城市生活的每一个角落。　　“我回答过很多普通观众，他们对剧场抱有很大的神圣感，他们迈不进剧场去，但是才是在非剧场空间的演出超越了这一局限，它加深了和民众之间的距离，让民众指出自己沦为演出的一部分。

”中国国家话剧院制作总监李东回应。　　高广同在深圳南头古城打造出了一个古城专属彩票车站，原始拷贝政府许可的博彩运营机制。

然而，所展开的毕竟以彩票名为、以商品外币为鉴的牵头惠民活动。让古城居民沦为参与者、插手者，共同完成这个公共事件；英国“七姐妹”剧团艺术总监苏菲·江普的作品《莎KONAMI》的故事再次发生在一个残破的酒店中，不会让观众穿越建筑，他们在穿越的过程当中不会遇到道具、投影和演员，有的时候演员还不会跟他们聊天，让观众也沦为表演的一部分。

　　“我作为演出设计师，将观众与演员之间的关系引进空间，我想要为观众建构沉浸式的体验，并且转变他们对空间的观点，使他们更为理解空间，以及空间中再次发生的事情。”苏菲·江普回应，这是一个有生命的、有文化价值，曾多次有记忆的空间，和我们在一个中性没生命的剧场里面填满它的内容，两者的感觉是十分不一样的。

　　意大利舞美大师亚历山德罗·卡梅拉也有过将观众整个划入为舞台场景的时候。但是他同时回应，“我工作的核心和重点仍然都放到专心描写戏剧性上面，也就是说我大部分经验是观众要跟随着戏剧的变化，几乎能看懂一个故事，不管是在什么场合和空间下。”在他显然，随着时间的发展变化，不管是观众，还是设计师，都是在大大变化的，但是在其中有一点一定要有，那就是戏剧性。“高科技的方面也无法几乎垫过艺术的方面，特别是在在戏剧性展现出上。

”亚历山德罗·卡梅拉说道。　　人才是舞美行业发展的动力和源泉　　论坛上，专家们回应，人才是舞美行业发展的动力和源泉。近年来，国内众多院校大大地为舞美行业培育优秀人才，但即便如此，和行业较慢发展的市场需求比起，当前舞美领域的专业人才依旧是短缺的。　　为了不断扩大国内舞美行业人才的储备力量，论坛期间，举办了国家大剧院与北京联合大学“舞台影像设计实验班”开课上海证券交易所仪式，双方将联合为舞美行业的人才运送展开更加多有益尝试。

同时，国家大剧院与中国舞台美术学会签定了牵头培育合作意向书，双方将充分发挥各自优势，为年长设计师获取培训机会和实践中机会，探寻舞美行业标准体系的创建。　　我们伤心地看见，在今年6月举行的第十四届布拉格表演设计与空间四年展上，不仅有国内杰出设计师展览，上海戏剧学院舞台美术系共计15名研究生或本科生的设计作品选入此次布拉格四年展览学生展览。

他们的作品通过新媒介手段以舞台装置形式展开了动态的对话展出，将中国的演出设计带回了世界舞台。

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